中外绘画风格有什么不同
“美式”和“英式”艺术留学作品集的区别是什么？,下面一起来看看本站小编明朝友善的丹参给大家精心整理的答案，希望对您有帮助
近几年受新冠受疫情的影响，标化成绩政策发生变化，学校招生政策也随之变化，招生官选人标准更新。于是，留学申请变得不确定性变得格外严重。
英美混申也成为近两年火爆的申请方式。美国虽然竞争压力大，但学校多，可选专业项目也多。英国名校相对较少，但教育实力同样顶尖，排名也不低，再加上一系列利好政策，同样也是一个不错的选择。
因此，大家不光要熟悉英美的申请要求，更重要的是了解这个国家的教育模式，即作品集的风格和制作过程，我们在学习和准备作品集之前，要先了解英美国家作品集的风格，才能有针对性的进行学习和制作。
众所周知，英美的作品集都是很注重过程的，英国名校的作品集主要考核的重点就是过程，会占到整套作品集比例的80%。
★英国实验性
★美国商业性
而美国方向的作品集可能只有50%-60%左右，这也是两个最大的区别之一，美国既会考核作品集的过程，项目的落地性、商业性、展示效果，也都是考察的重点，以及美国会注重视觉效果。因此，大家可以看到美国的项目，成品展示部分会更加多，英国的作品集项目不一定落地，或去实现，偏向一个概念性的内容，注重实验性。
“美式”作品集
美国作为全球艺术留学最发达国家之一，不光院校是最多的，多元化的文化背景和给予学生们广阔的、自由的发展空间。
美国作品集项目方向上，选用的主题都会比较务实，商业性，故事性稍微薄弱，但一定拥有较强的视觉效果和多元化的展现，创立鲜明的个人风格。
△SVA本科设计类作品集要求
克瑞思以美国纽约视觉艺术学院SVA，举例说明设计类本科作品集详细要求：
学生应提交15-20张图片的作品集。绘画样本是申请上述专业的学生作品集的重要组成部分。请包括至少3-5张从直接观察现场、三维情况下完成的绘画实例。这些作品可以包括自画像（使用镜子作为参考）、人物画、物体研究、静物画和风景画。(二维的参考资料可以包括在作品集中，但应保持在最低限度。）
我们欢迎绘画、版画、素描、拼贴/混合媒体和基于时间的作品。仔细考虑每个项目的记录和展示。三维作品可能需要从多个角度观察，拍摄细节，或在一个中性背景上进行展示。
除了上述的观察要求外，还欢迎设计项目和计算机生成的图像。对计算机感兴趣的申请者必须提交一份作品集，证明他们有能力从生活中绘画。
素描本为申请人的创作过程提供了宝贵的洞察力。我们鼓励申请者在提交作品集和亲自审查作品集时包括最近的素描作品。
综上分析，美国本科的作品集，需要学生有更广阔的多元化设计思维和创意绘画表现力，必要的设计过程还是需要的，实用性和创新都需要，创新可以在材料、表现手法、颜色、展现形式等方面体现；
另外，相对于灵感来源，sketch更加重要。在排版的时候，如果sketch是一个单独的item，可以放在首页。以及也要注重作品的材料。
“英式”作品集
英国方向的作品集主题，则更天马行空，更加自我一些，很多主题更加偏向自身的经历、生活以及想象，主题对应的成品，也会更加好玩，也并不一定是落地的，或者解决实际问题的。
作品集多体现调研的部分。英国都比较喜欢手绘，灵感来源或过程部建议丰满，有自己的各种尝试，图片需要用自己拍摄的照片或者手绘。
注重调研过程research和设计过程sketches，英式作品集里面最好体现，是可以永无止境的做下去的。因为他们认为设计是可以永远发展改进的，所以整个作品集的感觉也是一个项目发展或是作品改进的过程记录。
在表现过程的当中也要同时加入一些notes，即一些细节和步骤的英文解释。可以相对随性一点去标注。作品偏概念，个性化，丰富性。设计比较前卫大胆，浪漫主义气息浓厚一些。
举例说明，英国伦敦艺术大学的本科平面传播设计专业BA (Hons) Graphic Communication Design，以下是作品集详细要求：
你的作品集应不超过15页。它应该由你最好的作品组成，展示你的技能和思维。 你可以以任何形式创建页面（如：演示板），但应以jpeg图片形式上传。
它应该包括主要和次要的研究，想法的发展和不同范围的材料、技术和媒体的实验，以及完成的作品。
包括来自素描本或笔记本、工作图、生活图、摄影和媒体处理、二维或三维作品的图像。你的作品可以是既定项目和自发工作的结果。
展示你解决视觉问题的能力，并找到有创造性的解决方案。要分门别类，以便于查看。避免重复，展示你广泛的技能，并包括简短（一句话）的解释说明。
综上看来，英式作品集侧重点想法的发展以及实验性，解决项目的专业能力。那么，一本作品集如何同时可以用于英美申请呢？建议可以先制定艺术留学规划，确认将项目主题、类型和呈现表现形式等多方面，以及时间节点。以此加大英美双申的名校几率。
21世纪绘画的乐趣之一在于其广泛的表现形式。19世纪末和20世纪见证了艺术家们在绘画风格上的巨大飞跃。其中许多创新都受到了技术进步的影响，如金属颜料管的发明和摄影技术的发展，以及社会习俗、政治和哲学的变化，以及世界大事的影响。
这个列表概述了七种主要的艺术风格(有时被称为“流派”或“运动”)，有些比其他的更现实。尽管你不会成为最初运动的一员——在特定的历史时期拥有相同绘画风格和思想的艺术家群体——你仍然可以用他们使用过的风格作画。通过了解这些风格，看看这些风格的艺术家创造了什么，然后自己尝试不同的方法，你可以开始发展和培养自己的风格。
在写实主义中，绘画的主题看起来很像真实的事物，而不是风格化或抽象化，这是许多人认为的“真正的艺术”风格。只有当近距离观察时，看起来是纯色的东西才会显示出自己是一系列的许多颜色和值的笔触。
自文艺复兴以来，写实主义一直是绘画的主导风格。艺术家使用透视来创造一种空间和深度的幻觉，设置构图和灯光，使主题看起来真实。列奥纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》就是这种风格的经典例子。
开放式画风格出现在19世纪上半叶席卷欧洲的工业革命时期。金属颜料管的发明解放了艺术家，使他们可以走出工作室，画家们开始专注于绘画本身。主题被真实地渲染出来，然而，画家们毫不掩饰他们的技术作品。
正如它的名字所暗示的，重点是绘画的行为:笔触的特点和颜料本身。这种风格的艺术家不会试图通过抚平画笔或其他工具(如调色刀)在颜料中留下的纹理或痕迹来隐藏创作的目的。亨利·马蒂斯的画就是这种风格的极好例子。
印象主义兴起于19世纪80年代的欧洲，当时克劳德·莫奈(Claude Monet)等艺术家试图捕捉光线，而不是通过现实主义的细节，而是通过手势和幻觉。你不需要太靠近莫奈的睡莲或文森特·梵高的向日葵，就能看到这些大胆的色彩笔触，然而，毫无疑问，你正在看的是什么。
物体保留了它们真实的外观，但有一种活力，这是这种风格所独有的。很难相信，当印象派画家第一次展出他们的作品时，大多数评论家都憎恨和嘲笑他们的作品。当时被认为是未完成和粗糙的画风，现在被喜爱和尊敬。
表现主义和野兽派是相似的风格，在20世纪之交开始出现在工作室和画廊。这两幅画的特点都是使用大胆的、不现实的色彩，不是为了描绘生活的本来面目，而是为了表现艺术家对生活的感觉或感觉。
这两种风格在某些方面有所不同。表现主义画家，包括爱德华·蒙克(Edvard Munch)，试图表达日常生活中的怪诞和恐怖，通常使用超风格化的笔触和可怕的图像，比如他在画作《呐喊》(the Scream)中所使用的巨大效果。
野兽派尽管对色彩的使用很新奇，但他们追求创作出描绘理想化或异域自然生活的作品。想想亨利·马蒂斯(Henri Matisse)嬉闹的舞者或乔治·布拉克(George Braque)的田园风光。
20世纪的头几十年在欧洲和美国展开，绘画变得不那么写实了。抽象是指画家在诠释主题时描绘主题的本质，而不是描绘可见的细节。画家可以将主题简化为其主要的颜色、形状或图案，就像毕加索对他著名的三位音乐家的壁画所做的那样。表演者的线条和角度都很清晰，看起来一点也不真实，但他们是谁是毫无疑问的。
或者，艺术家可以将主题从背景中移除，或扩大其规模，就像Georgia O'Keeffe在她的作品中所做的那样。她的花朵和贝壳，去掉了它们的细节，在抽象的背景下漂浮，可以像梦幻般的风景。
纯粹抽象的作品，就像20世纪50年代的抽象表现主义运动一样，积极地避开现实主义，陶醉于对主观的拥抱。绘画的主题或要点是使用的颜色，在艺术作品的纹理，以及用于创造它的材料。
杰克逊·波洛克(Jackson Pollock)的水滴画在某些人看来可能是一个巨大的混乱，但不可否认的是，像《1号(薰衣草雾)》这样的壁画有一种动态的、动感的品质，吸引着你的兴趣。其他抽象艺术家，如马克·罗斯科，将他们的主题简化为自己的颜色。像他1961年的杰作《橙、红、黄》(Orange, Red, and Yellow)这样的色场作品就是:让你迷失自我的三块颜料。
摄影现实主义在20世纪60年代末和70年代发展起来，是对抽象表现主义的反应，抽象表现主义自20世纪40年代以来一直主导着艺术。这种风格往往看起来比现实更真实，没有一个细节被遗漏，没有一个瑕疵是微不足道的。
有些艺术家通过将照片投射到画布上来精确捕捉精确的细节。其他人则徒手或使用网格系统放大打印或照片。查克·克洛斯(Chuck Close)是最著名的现实主义画家之一，他为其他艺术家和名人创作的壁画大小的头像是根据快照创作的。
《暴风雨》乔尔乔内 约 1505-1508 年 蛋彩的油画 82cm x 73cm 威尼斯学院美术馆
本期→我们来聊一聊威尼斯画派，它相对于佛罗伦萨画派、罗马画派来讲，似乎并没有那么赫赫有名。在“文艺复兴三杰”的光环照耀下，威尼斯画派所散发的光芒有些与众不同，它的到来，为文艺复兴谱写了一段终曲，使之可以辉煌落幕。
公元10世纪左右，此时的威尼斯开始逐步脱离拜占庭的统治，到了12世纪已经成为了意大利东北部最大的商业贸易中心，被誉为“海上共和国”。
到了15世纪时，佛罗伦萨画派已经发展的非常成熟了，而威尼斯画派随着经济的发展和其他共和国的影响，到了15世纪末开始逐渐兴起。
《圣弗朗西斯的狂喜》木版油画 125x142cm 贝利尼 1480 年 美国纽约弗尼克美术馆
湛蓝的海水、得天独厚的地理位置让该地区的画家对艺术有着不一样的理解，威尼斯画派的题材开始从宗教转向了世俗，舒适的气候、优美的自然风光、丰厚的物质基础给人们带来一种享乐主义的思想，威尼斯画派所呈现的内容与古希腊的“希腊化”时代的内容风格更为相似。
色彩是威尼斯画派的重点，对于世俗享乐的高度狂热让画面的色彩明朗而热烈，大量绚丽的色彩与生动的造型冲击着那个时代人们的眼球。更多人物从宗教题材中走出来，变得鲜活且充满温情。
接下来，咱们一起看一下威尼斯画派早期的代表人物：贝利尼、乔尔乔涅、提香
一、乔万尼·贝利尼乔万尼·贝利尼（1431—1516），他比达芬奇还大了22岁，被认为是威尼斯画派的创始人。他是帕都亚画派代表人物曼坦尼亚的内弟，也就是小舅子。
帕都亚位于意大利北部，在15世纪时是除了佛罗伦萨以外的另一个重要的人文主义策源地。这个画派形成的风格是造型基础扎实、形体坚实有力，色彩强烈、轮廓鲜明。
而贝利尼在他的创作初期就是受到了这种风格的影响，在早期的作品当中，多使用蛋彩技法，他研究了很多曼坦尼亚的作品，在此基础上将风格从严肃刻板的宗教风格往人性温情的风格上去过渡。
如《在花园里的苦恼》就是他的早期作品，创作于1459 -1465之间，现藏于伦敦国家美术馆。这幅画描绘的是耶稣基督在客西马尼花园中祈祷的场景。
画面近处三个门徒已经睡着了，背景中犹大正带领罗马武装部队前来抓捕耶稣。
《在花园中的苦恼》 贝利尼 1465 年 伦敦国家美术馆
耶稣此时已然知道了这一切，在意识到自己即将死亡之际，他并没有惊恐，而只是用一种淡然无畏的祈祷来迎接这一切。在画作的右上角，天使被派来安慰耶稣，手里还拿了一个杯子，这象征着救赎和希望。这幅作品很有他姐夫的绘画风格，画面轮廓鲜明、色彩大胆，人物张弛有力。
1487年，此时贝利尼已经有了属于自己的风格，《有小树的圣母》则是该时期的作品。这是一幅木板油画，纵58厘米，横74厘米，藏于威尼斯卡卡迪米亚美术馆。
画面将圣母置于一个悠然宁静的环境之中，两边小树葱绿，背景为蓝天与远山。这幅画以圣母玛利亚为焦点，圣母手中怀抱着站立的小耶稣。虽然这是一幅作品是比较传统的宗教题材绘画，但作品已经没有了过去传统宗教绘画沉重的氛围，崭亮的蓝色、沉稳的红色、爽朗黄绿色，明快的色彩使人们耳目一新，形成了威尼斯画派特有的鲜明色彩。
《有小树的圣母》木版油画 58*74*188cm 贝利尼 1487 年 威尼斯卡卡迪米亚美术馆
贝利尼的晚期作品《众神的盛宴》纵170厘米，横188厘米，于1514年在其去世的前两年完成的，后来这幅作品被提香等几位艺术大师修改过。
此时的贝利尼已经开始大胆的使用光影，色彩上变得更加纯粹、明亮与鲜艳，流畅抒情的线条具有强烈的节奏感。画面共17位人物，他们如同世俗中的人一样，在森林的空地上举行着盛宴，众神形色各异，眼神刻画非常细致，其心中所想能够从眼神之中流露出来。
继贝利尼之后，充满和谐优美基调的威尼斯画派开始逐步发展，他的学生，乔尔乔涅就是其中之一。
《众神的盛宴》布面油画 170*188cm 贝利尼 1514 年 华盛顿国家美术馆
二、乔尔乔涅
乔尔乔涅（约1476-1510年），是贝利尼的接班者，在他的画室学艺。他将贝利尼的风格成功发展，是架上绘画的先驱，由于他的出现使得威尼斯画派走向了成熟。
他与提香师出同门，但后来由于不可知的错误被贝利尼赶出了画室。之后两个人交往颇深，也常有合作。
乔尔乔涅的作品不仅充满了威尼斯画派的唯美与典雅，同时更具有文艺复兴时期的人文主义精神。
《三个哲学家》又称《三圣贤》，于1509年完成创作，纵123厘米，横144厘米，现藏于维也纳艺术史博物馆。
画面的构图十分新颖，三位哲学家均居于画面的右侧，而左侧则是由看似比例不正确的土和岩石构成。
《三个哲学家》 123*144cm 乔尔乔涅 1509 年 维也纳艺术史博物馆
画面对比强烈，左侧的黑暗与右侧的光明使画面形成了强烈的对比，人物或站或座于岩石之上，背景为干枯的大树，朦胧的天空与前面人物鲜亮的衣物亦形成了鲜明的对比，使人物脱颖而出。
整个画面的主题与天文有关，画中坐着的年轻哲学家身着白色内衬与翠绿色袍子，他手持的是指南针。右侧老者正从袍子里面拿出一张计算天文的大纸，上面标题为“Celus”，意为天空。也就是说，这三位应该是研究天文学方面的学者。
之所以被称为哲学家是由于有研究称该作品与柏拉图的“洞穴”理论有关：
柏拉图在《理想国》第七段的描述，大意是在山洞中将几个囚犯绑着，在洞口处放置木偶，然后点火将木偶的影子投射到山洞的墙壁上。那山洞中的囚犯就会以为这是事物的真实形象，而当有一个囚犯挣脱之后转而看到木偶，才知道这不是真实的。
这一则比喻是对人们以为真实的世界就是如此，误把当下所看到的内容当成真实，殊不知只是自己没有窥于全貌，没有看到世界的真理。
画面中青年男子面向的奇怪山岩被称之为洞穴，男子与其他学者亦如同洞穴中的囚犯，他们似乎在努力的探索真知，但仍然没有窥于全貌。
从装扮上看，青年代表的是文艺复兴时期的科学、中间的东方人应该来自阿拉伯地区，右侧的老者应为古希腊时代的学者。
三个人物从古至今，从年老到年少，乔尔乔涅使他们跨越了时间与空间，用共同的科学信仰将他们紧密联系在一起，画家将反对宗教禁锢、崇尚人文科学的热情倾注于这幅绘画作品之中。
乔尔乔涅的另一幅著名的作品是《田园合奏》，创作于1508年- 1509年之间，纵110厘米，横138厘米，现藏于巴黎卢浮宫。
画面中出现两位女神，可能缪斯女神或维纳斯，裸体的处理是一种神的象征。
《田园合奏》 110*138cm 乔尔乔涅 1509 年 巴黎卢浮宫
左侧站立着手持玻璃水壶的女神被誉为是悲剧诗歌的象征，坐在地面上手拿长笛的女神则是声望低于悲剧诗歌的喜剧或田园诗的象征。
坐在地上正在弹奏琉特琴的年轻人是抒情诗的代表，而旁边未戴帽子的年轻人则象征着普通的作词家。
乔尔乔涅这幅画的灵感来源于亚里士多德的《诗意》，内容中描述了不同诗体的区别。
该作品以风景为背景，其具有双重性功能，左侧优雅纤细的树木之间，我们能够看到一座多层别墅，而在右侧茂密树林中，隐约可见牧羊人在吹风笛。
现实与虚幻、人与神均出现在了画面当中，但效果却异常的统一和谐。
美丽、成熟的缪斯女神的出现为我们提供了灵感，风景与人物、色彩与线条的和谐，揭示了人与自然、诗歌与音乐之间的密切关系。
乔尔乔涅30多岁时就因为感染鼠疫而去世，严格意义上他是第一位威尼斯画派画家，他的作品具有极高的抒情特点，人文主义与自然主义的思想在他的画作中被和谐应用，他对人和自然的探索与诠释让威尼斯画派打开了一个崭新的局面。
优美、艳丽、柔和、宁静这些如海上星光般璀璨的风格是威尼斯画派的典型，正如同这座水上之城一般，它用极其明亮的画面为文艺复兴敲开了另一扇大门。
下一期，我们将讲讲乔尔乔涅的同门师弟提香，继续我们威尼斯画派之旅。
end
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